KLANG weblog

[告知] 5月11日低音デュオ　ひろがりゆく低音(新譜CDの先行販売もあり)

2012-05-10T03:36:10Z

明日はお洒落な家具屋さんで低音デュオをお聞きください。

何度も再演しているおなじみの作品、今回初挑戦の作品、それぞれ

どのように響くのかが楽しみです。

ちなみに今回はじめて演奏する「セイキロスの墓碑銘」は現存する最古の完全な楽譜です。

ということで、ついにレパートリーが、世界最古の音楽から世界最新の音楽までカバーすることとなりました。

ポスターが軍艦巻きのようだと巷で話題に。。

平河町ミュージックス第15回

低音デュオ　ひろがりゆく低音

2012年5月11日(金) 19:00開演

ROGOBA DESIGN ON LIFE_Tokyo（ロゴバ）

1. グレゴリオ聖歌/低音デュオ編「我深き淵より」

2. 鈴木治行「沼地の水」 (2009)

3. パラレリウス/低音デュオ編「モンテヌス写本」より『花咲き乱れ』

4. ケージ「2人のための音楽」 (1984)

5. 山根明季子「水玉コレクションNo.12」 (2011)

6. 作者不詳/低音デュオ編「セイキロスの墓碑銘」

7. 湯浅譲二「天気予報所見」 (1983)

松平敬(声)

橋本晋哉(テューバ、セルパン)

ちなみに、ライヴ会場では、私の新しいCD「うたかた」も発売予定です。一般発売、iTunesでの配信はもう少し先ですので、今回は先行初売りとなります。

今朝、どーんと送られてきた大量のCDを持って行きますので、こちらもチェックして下さい！

なおamazonでも予約受付が始まりました。

[告知] 明日は広島で武満ソングを歌います

2012-05-03T02:03:00Z

武満徹ソングブック

ショーロクラブ with ヴォーカリスタス

2012年5月4日(金・祝)

オリエンタルホテル広島 4F オリエンタルボールルーム

16:30開場 / 17:00開演

〈演奏〉ショーロクラブ

〈歌〉アン・サリー / 沢知恵 / おおたか静流 / おおはた雄一 / 松平敬 / tamamix

前売り 5,000円・当日5,500円（税・サ込）

クラブオリエンタル会員料金：

前売り 4,700円・当日 5,200円（税・サ込）

詳細はこちらをご覧ください。

お近くの方はぜひどうぞ！

4月25日はニコニコ現代音楽をご覧ください！

2012-04-19T05:01:00Z

来る4月25日は18時より、双子座三重奏団でもずっと共演している中川俊郎さんとのデュオでインターネット・ライヴをお送りします。

ニコニコ生放送での中継となりますが、今回は有料配信（500円）となりますので、事前のアカウント登録、チケットの購入（500 Point）が必要です。

もし、18時から見ることができないという場合でもタイムシフト予約、という方法を使えば、生放送終了後にあとから見ることも可能ですので、こちらもご検討下さい。

プログラムはこんな感じのものを予定しています。

歌とピアノというオーソドックスな組み合わせながら、他では聞けないようなレアな作品を集めた濃厚なプログラムを構成しましたのでお楽しみに！

トーン・クラスターが炸裂するアイヴズの歌曲や、特殊唱法満載の中川作品など、視覚的に面白いものも用意してありますのでこちらにもご注目下さい。

プログラム（予定）：

セルミジ：花咲く日々に

林光：あらしの歌、けむり、朝に晩に読むために

アイスラー：

　小さなラジオに寄せて

　それは暗い日々だった

　マリー・サンダーズのバラード

高橋悠治：はこ、民衆に訴える

シューベルト:

　彼女がここにいた事を

漁師の娘

マーラー：《リュッケルトの詩による5つの歌曲》より

　　　　　　私はほのかな香りを吸い込んだ

　　　　　　美しさゆえに愛するのなら

　　　　　　私はこの世から捨てられた

シェーンベルク：

私は跪いて感謝してはならない Op.14-1

《架空庭園の書》Op.15よりII, XII

渚にて

夏の気だるさ Op.48-1

ストラヴィンスキー：ふくろうとネコちゃん

モンポウ：魂の歌、川に雨が降る

リゲティ：夏

小倉朗：《木下夕爾の詩による八つの歌》より　

　　　　　　ひばりのす、ふろたき、汽車のけむり、遠い町

高橋悠治：長谷川四郎の猫の歌

中川俊郎：芭蕉二句（初演）、主の祈り

ケージ: TVケルン (piano solo)、花

アイヴズ：川にて、檻、数あまた

[満員御礼] 双子座三重奏団うるう日ライヴ終了

2012-03-01T09:16:43Z

お陰さまで、昨晩の双子座三重奏団うるう日ライヴは、満席のお客様をお迎えして無事終了しました。インターネットでも本番の模様を生中継しましたが、こちらも予想を上回る多くの方にご覧いただき嬉しい限りです。

asobi cast vol.22〜『双子座三重奏団』うるう日ライブ

昨日初演した、中川俊郎さんの《バッハズ・アロー》の解説文は、紙面の関係で、実は半分くらいの分量にカットしていましたので、ここにその全文を掲載します。

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タイトルは「バッカーズアロウ」が正しい英語読みだが、このような時期にバッカー　もないだろうと思い、このようにした(意味は<バッハマニアの矢>)。

松平頼曉さんのピアノ曲に「ブレンディング」という作品がある。全編他人の作品の引用を基本にした作品で、２つの曲の要素の内一方からは和音を、もう一方からはリズムをという具合につくられた、曲のブレンドの連続である。

その方法からヒントを得、①歌詞(テキスト)とメロディーを含む音(これも編み込まれたもの...という意味で記号論的には「テキスト」である、)を別々なところから引用しそれらのミックスチャー(混ぜ物)をつくること、

②さらに、テキスト自体を原形のままから、ほとんど原形が分からないほど変奏された形までの広いスパンで扱うこと。この２つをコンセプトとした。

ところで、こうした複雑な混合物を作るにあたって、テキストどうしの違和感の尺度を出来るだけ、定性的でなく定量的に計ることが出来ないか...と、ふつうは不可能に思えることを、私は考えた。

なぜかというと人間関係でもいつも問題になる「違和感」は、人間個人の感情に源を発していて、それを数量化するのには厳密には人間の数だけ、つまり6,000,000,000強の標本が必要になるからで、それでは人間は孤独だ...とかんたんにあきらめ、決めつけ、ひらき直り兼ねないからである...。

ところで、ここでも「近似値」、「極限」という概念が数学を袋小路から救い出してくれるのだ！

今回の委嘱作曲家でもある森田さんが、テキストを変換してサブテキストを作る、大変厄介なアルゴリズムを開発していたことは聞き知っていた。松平くんも演奏に関わった、試作品である素晴らしい声楽曲があるが、当アルゴリズムはその時よりも数段進化しており、しかも同じ関数で同じ変数(χ)の入力を行った場合に何回かまでは同じ結果が出るが、突然まったく違った結果が出たり(笑)、ある時は一度として同じ値がでなかったり(！)、しかたないので電源を落として再起動したら、こんどは何度やっても同じ値しか出なかったりする(笑)。これはすべてPc.内で起きていることとしては画期的である！

こうしたやんちゃでおてんばなふるまいにふたりで呆れ果て苦笑していた時に、森田さんは同室に誰もいないにもかかわらず急に声を潜めて、「でもね、中川さん。私はこの計算の結果は、どうやらその時の私の気分に関係しているんじゃないか？って思うことがよくあるんですよ。まさかねー。」といって、ひとつ身震いをした。

...という夢を見た。

ブレンドの例をいくつかあげると、

ハイドン「皇帝」(ドイツ国家)＋西村朗、

湯山昭「雨ふり熊の子」＋中島みゆき「時代」＋モーツァルト40番、

既成のCM.音楽のミックス、

ベートーヴェンの「運命」の非線形変換、

アフリカ＋ピグミー＋三輪眞弘など。

ところで、私は肝腎のタイトルの説明をしていない...。

29日のライヴは、YouTube Liveとニコ生で生放送します。

2012-02-26T13:33:54Z

間近にせまった29日の双子座三重奏団うるう日ライヴは、すでに多数のご予約を頂いているため、予約受付を終了していますが、演奏会の模様をインターネット上で生中継します。

予約しそびれた方、そもそも遠方にお住まいで会場へ足を運べない方も、どうぞご覧ください！

YouTube Live： http://www.youtube.com/user/asobicast?feature=watch#p/l/VtHgz-qQ_jM

ニコニコ生放送： http://live.nicovideo.jp/gate/lv82287356

当日の曲順も決定しました。

（細かく情報がアップデートされてます）

ジョン・ケージ：ラジオ・ミュージック（1956）

中川俊郎：バッハーズ・アロウ（2012、初演）

クロード・ドビュッシー：シランクス（1912）

クロード・ドビュッシー：ため息（《マラルメの３つの詩》（1913）より）、庭にて（1891）

鈴木治行：蛇行（2007、双子座三重奏団委嘱作品・再演）

〜〜〜休憩〜〜〜

森田泰之進：こうふくのしま（2012、委嘱初演）

クロード・ドビュッシー：スケッチ帳より（1903）、ハイドンを讃えて（1909）

山本哲也：スライドホイッスル三重奏曲（2011）

ジョン・ケージ：ピアノ、トランペットと声のためのコンサート

# Solo for Piano(1957-58), Solo for Trumpet(1957-58), Aria(1958), Indeterminacy(1958-59)▼の同時演奏（▼邦訳：柿沼敏江）

双子座三重奏団うるう日ライヴ、受付終了

2012-02-16T14:10:55Z

今月29日の双子座三重奏団うるう日ライヴ、ご予約が予定数に達したため、受付を終了しました。多数のご予約ありがとうございました。

~~今後は、「キャンセル待ち」という扱いにさせて頂きますので、ご希望の方は、gemini3@me.comまでご連絡下さい。~~

（キャンセル待ちも受付終了しました）

すでにご予約済みの方でキャンセルされる方は必ずおしらせ下さい。

なお、若干数ですが当日扱いの座席も用意する予定です。

[受付終了] 双子座三重奏団うるう日ライヴ

2012-02-15T13:38:50Z

中川俊郎：バッハーズ・アロウ（初演）

森田泰之進：こうふくのしま（委嘱初演）

鈴木治行：蛇行

山本哲也：スライドホイッスル三重奏曲

ケージ：ピアノ、トランペットと声のためのコンサート

ケージ：ラジオ・ミュージック

ドビュッシー：シランクス（トランペット版）

ドビュッシー：ため息（「マラルメの３つの詩」より）、庭にて

ドビュッシー：ピアノ曲（曲目未定）

曽我部清典(トランペット) 中川俊郎(ピアノ) 松平敬(声)

森田泰之進、鈴木治行、山本哲也（ラジオ）

入場料：2500円（当日：3000円）

双子座の三人が集まった双子座三重奏団のライヴです。

生きのいい日本人の中堅から若手作曲家の新作、近作に加え、今年生誕100年を迎えたジョン・ケージ、そして生誕150年のクロード・ドビュッシーの作品を一晩で演奏する、このトリオならではのユニークな選曲をお楽しみ頂ければと思います。

メンバー3人がスライドホイッスルに持ち替えての山本哲也《スライドホイッスル三重奏曲》、今回の関係作曲者の皆さんをゲストに加えて演奏するラジオ６台によるケージ《ラジオ・ミュージック》など、飛び道具的なネタも満載です。

~~本番２週間前にして、すでに予約が殺到している状態です。~~

~~数日中に予約受付終了する可能性が高いので、お早めのご予約をお薦めします。~~

予定数に達したため予約を終了しました。キャンセル待ちは、受け付けていますので、gemini3@me.comまでご連絡下さい。

なお、当日はインターネット上で生中継をする計画も進んでいます。詳細は改めてお知らせしますが、万が一、ご予約が間に合わなかった場合や、遠方にお住まいの方にもお楽しみ頂けると思います。

以下、ご参考までに、過去の双子座三重奏団の演奏動画です。

[動画] ケージ《4分33秒》

2012-02-05T03:45:48Z

あまりにも有名すぎるジョン・ケージの問題作《4分33秒》を映像でリアリゼーションしてみました。

3つの楽章は異なる色で視覚的に表現し、楽章ごとの時間の設定は1952年の初演時のものを流用しました。

この作品は、演奏者が意図的に音を発しないことが重要なので、いくつかのリアリゼーションで見られる、演奏時の環境音を録音し、それを映像化することは避けました（動画にサウンドを含める時点で、「意図的」な音になってしまうので）。

ということで本編は、完全に無音、逆に本編の前後のクレジットの部分には（意図的なサウンドとしての）水の音を入れることによって、一種の額縁のような役割を与えました。

ということで、この動画を再生することで、《4分33秒》の演奏の「記録」ではなく、「リアルタイム」の実演が、この動画を観ている（聴いている）方のパソコン上で行われていることになります。

ちなみに、色で３つの楽章を表現するアイデアは、10年近く前に京都で演奏したときにすでに使っています。そして、映像のアイデア上、フルスクリーン・モードでの視聴を推奨します。

[動画] ラ・モンテ・ヤング「コンポジション1960 #7」

2012-01-31T22:26:55Z

長く引き伸ばされた音、純正音程というラ・モンテ・ヤングのエッセンスのつまった彼の初期作品「コンポジション1960 #7」をリアリゼーションしてみました。

HとFisの完全５度による和音と「長い時間のばすこと」という短いインストラクションのみの作品ですが、サイン波で好きなだけ伸ばし、同時にその波形が投影されるMaxのパッチを作ったのが、上の動画です。

10秒くらい見たら、続きは全部同じだということが分かるかと思いますが、ずっと聴いていると意識がアチラ側に行ってしまいますね。

集中して鑑賞するもよし、サティの「家具の音楽」よろしく、お部屋のインテリアとして垂れ流すもよし、というところでしょうか。

[メモ] シュトックハウゼンの後期ピアノ曲（その２）

2012-01-30T06:56:16Z

シュトックハウゼンの後期ピアノ曲（その１）

ピアノ曲XVIII《水曜日のフォルメル》(2004)では、シンセサイザーのためのXVからXVIIの３作とはまた違ったアプローチが取られます。

シュトックハウゼンが《光の水曜日》の作曲の基本構造として用いた４層構造の《光の水曜日のためのSuperformel》そのものを、シンセサイザーのための作品として演奏する、という作品で、主要な３層の音域を置換しながら、このフォルメルが３度繰り返されます。

この作品は、基本的に同一の楽譜（テンポはこちらが２倍速い）による打楽器三重奏版の《水曜日のフォルメル》と兄弟関係にあります。高音域の声部を金属、中音域の声部を木、低音域の声部を皮の打楽器を用いて、演奏者が自由に楽器を選択しなくてはなりませんが、《ピアノ曲XVIII》では、それに対応して、金属、木、皮に似せた電子的な音色をプログラミングすることを求められています。

ピアノ曲XII〜XIVでは、フォルメルに含まれる、様々なノイズ的要素を内部奏法などで解釈していましたが、ここでは、シンセサイザーのプログラミングの変更によって解釈することになり、音色の選択も奏者に完全に委ねられています。

複数の音色を多層的に重ね、さらに各層バラバラのタイミングでその音色も変更しなくてはならず、ポリフォニー内での（ピッチベンド的）グリッサンドや微分音の演奏も求められることから、奏者にシンセサイザーのプログラミングの知識が必要となることはいうまでもありません。

また、この作品での長い持続音の音色の美しさそのものを味わう傾向は、晩年のシュトックハウゼン作品の重要な特徴でもあります。

《ピアノ曲XIX》(2001/03)は《光の日曜日》の終演後、ロビーなどで再生される５台のシンセサイザーによる電子音楽《日曜日の別れ》の別ヴァージョンです。

このヴァージョンでの楽譜はまだ出版されておらず、初演もされていないので詳細は違う部分があるかもしれませんが、作品表での取り上げ方から推察するに、《日曜日の別れ》を一人のシンセ奏者が、残りの４声部を収めたテープと共演する、という演奏形態であると思われます。

《日曜日の別れ》は《光の日曜日》の最終場面である《至高＝時 HOCH-ZEITEN》の別ヴァージョンでもあります。この作品はまず５群のコーラスのための版が作られ、合唱団が歌う５ヶ国語の歌詞の言葉の響きを５群のオーケストレーションに「翻訳」する形で、オーケストラのための版が作曲されました。《日曜日の別れ》はコーラス版を５台のシンセで演奏する版ですが、同様にコーラスの歌詞を、シンセサイザーのプログラミングに「翻訳」することが求められます。様々なパターンのグリッサンドで埋め尽くされた楽譜は、当然ながら通常の鍵盤楽器作品とは全く異なる世界を生み出します。

ピアノ曲のXVII〜XIXに共通した特徴は、ピアノ曲としての版と、基本的に同じ楽譜に基づく打楽器のための版が存在することです。

シンセサイザーは機種の選定やプログラミング、打楽器は楽器の選定や奏法によって多種多様な音色を生み出せる、という点で共通していますが、音色のキャラクターは全く異なっているので、両者の版を聴き比べると、非常に興味深い発見があります。

ピアノ曲XIXの打楽器版にあたる《光線 STRAHLEN》(2002)は、ヴィブラフォン奏者とテープ（９パートのヴィブラフォン演奏の多重録音）のために作曲されていますが、エレクトロニクスを使って、本来ただ減衰するだけのヴィブラフォンの音に（連続したピッチ変化による）グリッサンドをかけるという離れ業が聴きどころです。

ちなみに、《LICHT》と関連のある８曲のピアノ曲の内、前半の３曲が伝統的なピアノ、残りの５曲がシンセサイザーと、同じ鍵盤楽器ながら異なる楽器のために作曲されているのには、（恐らく当初からの計画でなかったと思われますが）それなりの根拠があります。伝統的なピアノのために作曲されたXIIからXIVはそれぞれ《木曜日》《土曜日》《月曜日》に含まれる作品ですが、この３つは《LICHT》の３人の主要キャラクターの内の一人が主要な役割を果たし、残りの４作は二人、または三人のキャラクターの様々な関わり合いがテーマとなっているので、それが根拠となっていると思われます。

《LICHT》の次なる連作《KLANG》には鍵盤楽器を使った作品が２つあり、「ピアノ曲」シリーズの続編とも解釈ができます。

１時間目：《昇天 HIMMELFAHRT》(2004/05)は補助的な役割の二人の歌手を伴うものの、実質的にはオルガン、またはシンセ奏者のための作品といえます。2声のポリフォニーというシンプルな構造ながら、30分以上の演奏時間のほとんどで、鍵盤楽器奏者の左右の手は、異なるテンポで演奏しなくてはならない、という超難曲です。24種類の音色を使い分けなくてはならないところは、後期ピアノ曲と相通ずるところがあります。

３時間目：《自然の持続時間 NATÜRLICHE DAUERN》(2005/06)は《ピアノ曲XIV》以来の伝統的なピアノのための独奏曲、しかも、それ自体が24の作品から構成される演奏時間3時間超の大作です。

多彩なシンセサイザーの音色変化を捨て、再び伝統的なピアノの響きを追求したという点も注目すべきポイントでしょう（リンやインディアン・ベルをピアノの音色と融合させる興味深い試みもありますが、そうした例外をのぞいて、内部奏法もほぼ皆無です）。

もっとも特徴的なのが冒頭の数曲に集中的に見られる、長い減衰音です。この減衰の時間を非メトロノーム的な持続として利用していますが、同時に、一見単調な音響現象に隠れた微細かつ豊かな表情に注意深く聴き入ることを、奏者、聴き手ともに求めているのが、晩年のシュトックハウゼンならではです。音楽の大事な部分は鍵盤の上、あるいはピアニストの指ではなく、楽器の内部で起こっています（そのことに気づかなければ、この作品は単なるガマン大会以上のものとはなりません）。

こうした側面は、ピアノ曲X主要部（冒頭のにぎやかな部分は構造的には序奏部にすぎません）の長い減衰音や休止にすでに表れていますが、この作品ではそうした側面が極限まで拡大されたといえます。

最後に、意外に知られていないことかもしれませんが、シュトックハウゼンが作曲を本格的にこころざす前は、ピアノが彼にとってもっとも身近な楽器であったことを付け加えておきましょう。幼少時からピアノの手ほどきを受けていましたが、終戦直後ケルンへとやってきた若きシュトックハウゼンは、レストランやカフェでピアノを弾いたり、手品師アドリオンのパフォーマンスの伴奏として即興演奏をしたりして生計を立てていたのです。

[メモ] シュトックハウゼンの後期ピアノ曲（その１）

2012-01-30T00:31:22Z

個人的な備忘録ですが、参考になることもあるかと思い、ここに書いておきます。

「後期」というのは非常にあいまいな表現ですが、シュトックハウゼンはピアノ曲のI〜XIを1952〜1961年に作曲、続くXIIは1979/83年の作曲と、XIとXIIの間にほとんど20年の断絶があるので、XII以降を「後期」と呼ぶこととします。

全部で19曲作られたシュトックハウゼンのピアノ曲（KLAVIERSTÜCK）は、大きく３つのグループに分けられます。

すなわち

１．I〜XI（1952-61）

２．XII〜XIV（1979-84）

３．XV〜XIX（1991-2003）

２，３のグループは１と作曲年が離れているだけではなく、作曲技法、楽器の扱いの上でも大きな違いがあります。

作曲法の面では、１が群による作曲法、２，３がフォルメル技法を採用していて、２，３は巨大なオペラ連作《光 LICHT》の関係作品として作曲されています。

XII: 木曜日、XIII: 土曜日、XIV: 月曜日、

XV: 火曜日、XVI,XVII: 金曜日、XVIII: 水曜日、XIX: 日曜日

楽器法では、１，２は伝統的なグランド・ピアノを使用していますが、２では様々な内部奏法などでピアノの音色の拡大が目論まれています。３は（電子的に音色を拡張されたピアノとしての）シンセサイザーが使用されています。

（ということで、最近時々目にする「鍵盤曲」「クラヴィア曲」などの奇妙な訳語を使用する必要性はなく、単に「ピアノ曲」という表記でよいと考えます。作曲家サイドの公式な英文タイトルも「PIANO PIECE」です）

つまり、このシリーズの後に行くに従ってピアノの音色が拡張されるような方向性があるということですが、それは２のグループで突然表面化したわけではなく、１の中にもすでにその傾向があります。VIIにおけるハーモニクスの探求、Xでの細かくコントロールされたクラスター、クラスター・グリッサンドによるノイズ領域への音色の拡大などが、挙げられます。

２におけるの内部奏法の多用は、ピアノの音色の拡大を意図していますが、これには作曲上の必然性もあります。

《LICHT》の作曲素材の源となるSuperformelはこのオペラの３人の主要キャラクターであるミヒャエル、エーファ、ルツィファーを象徴する３声のメロディーから構成されますが、このメロディーには通常の楽音の部分（それぞれ11、12、13音のセリーから導出されている）に、様々なノイズ的な楽想（有名な、数字を数えるイヴェントもこの一つ）が挿入されています。

この部分を、様々な楽器の特殊奏法でリアライズすることになるのですが（そこで生じる解釈の多様性も作曲上のキモ）、ピアノ曲のXII〜XIVでは、それが内部奏法を含む種々の奏法へと置き換えられている、ということです。

最も特徴的なのが３のグループ（XV〜XIX）での様々なアイデアです。

このグループでは、XII〜XIVで試みたピアノの音色の拡大を、楽器自体をシンセサイザーに置き換える、ということで大きくその方向性を変えます。

シンセサイザーの重要な特徴は、音色を自在にプログラミングできる点にありますが、シュトックハウゼンはその点を演奏者の創意に委ね、その他様々な要素を演奏者の選択に任せる作曲法を取りました（但し、楽曲の基本的な構造自体は確定されている）。

XV〈シンセ狂〉では、131種類の音色のプログラミングが求められ、基本的にきっちりと記譜されている楽譜の随所に即興演奏のためのスペースが設けられています（即興演奏の持続は確定、演奏内容は完全に不定）。

生演奏の背後で８チャンネルの電子音楽が流れている、というのもそれまでの作品になかった特徴です。

XVIとXVIIも電子音楽との共演ですが、単なる音楽的背景として機能していたXVのそれに対して、こちらではより積極的な役割を果たします。

XVIは、男女二人の声の変調で作られたテープ音楽（その音響の奇妙さにかかわらず、きちんと五線譜で記譜されている）の中から自由に選んだ音にピアノ、シンセサイザーなどでユニゾンで音を重ねる、一種の「音の塗り絵」です（これらは即興的に行うのでなく、事前に演奏者が自分自身のヴァージョンを作成する）。

XVII〈コメット〉は、《光の金曜日》の〈子どもの戦争〉という場面の電子音楽（オペラ内で歌われる児童合唱のパートもここではテープに収録）にコメントを付けるように、小節ごとに指示された和音から選んだ音を、演奏者が自由な順序、タイミングで演奏します（部分的に確定されたフレーズもあり）。

ということで、XVIとXVIIはテープ部分がメインで、生演奏はそれに対する注釈、という色合いが濃いのですが、XVIIに関しては生演奏部分を生かす仕掛けがあります。

演奏者がテープの再生を中断する箇所を２箇所決め、その先のフレーズを40〜60秒、テープなしで演奏、そして、テープの再生を再開し、ソロで演奏したフレーズをもう一度繰り返し、先へ進む、という演奏指示です。

原曲のオペラにはないこうした指示の付加により、生演奏とテープ部分の役割がより明確になる効果があります。

ちなみにXVIに関しては、「高度な演奏技巧は求められず、むしろイマジネーションやユーモアのセンスが必要だ」との注意書きがあったり、XVIIでは、シンセやサンプラーでの音色の選択に関して、数多くのおもちゃのようなサウンドをあらかじめ用意しておくことが求められたりと、従来のピアニストに要求されていたことと全く別種のセンスを引き出そうとする作曲者の意思が感じられます。

（その２につづく）

シュトックハウゼン作品における中継演奏

2012-01-29T03:43:16Z

2月に新国立劇場・中劇場で演奏される松村禎三《沈黙》が、この段階になってオーケストラピットに楽器が入りきらないので、一部の楽器を別室で演奏、中継した音声を会場の演奏とミックスするという、信じがたいニュースが入ってきました。

ソース：

オペラ「沈黙」のオーケストラにつきまして

この件に関しては、そういうことをなぜ事前に把握できなかったのかという疑問が残るわけですが、今回は、この件に関しての批判ではなく、別の場所での演奏を中継して演奏する、というスタイルがシュトックハウゼン作品にいくつかあるので、その紹介をしたいと思います。

トランス TRANS (1971)

ステージ上に見えるのは、弦楽器奏者のみ、しかしパーテーションの後ろには管打楽器が隠れています。その音声はスピーカーから聞こえてきます。

中継、というには位置関係が近すぎますが、客席から見えない場所から演奏している、という点では「中継」というジャンルに入れてもいいかと思います。

作品の途中に、トランペット奏者が突然現れてソロを吹く部分がありますが、音だけ聞こえて見えなかった存在が、突然現実世界に現れたような効果をもたらします。

ヘリコプター弦楽四重奏曲 HELIKOPTER-STREICHQUARTETT (1992/93)

《光の水曜日》の第3場面。

4人の弦楽器奏者が4台のヘリコプターに分乗する、という側面ばかりが強調されがちですが、より重要なコンセプトは「中継」演奏にあります。

クリックトラックのみを頼りに、4人がポリフォニーを奏で（お互いに他の奏者の音は聴こえない）、その中継が会場でミックスされてアンサンブルが成就する作品ですが、その４声のポリフォニーの各声部のメロディーが、１〜数個の音符の単位で４つの楽器で受け渡されるように仕組まれている（そして、それが全声部で同時に行われる）ところがポイントです。

（音楽的には、このオペラの基礎となるSuperformelが声部の配置が入れ替わって、異なる移高系と持続で３度繰り返されるだけ）

つまり、その複雑なポリフォニーが、場所的にお互い遠く離れ、お互いの音も物理的に聴けない状態で行われている「場」を中継によって実現させる、というコンセプトです。

わかりやすいのが、ルシファー・フォルメルでよく出てくるeins, zwei と数を数える部分です。それぞれの数字が別の奏者で発音されますが、別のヘリコプターでバラバラに発音されているものが、会場では順番に数字を数えているように聴こえる、その状況を中継されている音声や映像から想像することによって、いま行われていることの面白さが実感されるような仕掛けになっています。

至高＝時 HOCH-ZEITEN (2001/02)

《光の日曜日》の最終場面。

基本的に同一の楽譜に基づく、オーケストラと合唱のための２つのヴァージョンが、２つの別の会場で同期して演奏されます。

それぞれの演奏は中継されていて、スコア上に指定された７つの場所で、別会場の演奏が、実際の演奏とミックスされます。

オーケストラ版は合唱版よりも18秒先に演奏が開始される指示があるので、両者の演奏がミックスされたときには、生演奏の18秒前、あるいは18秒後の音楽素材（音色だけ異なる）が重なりあう格好となります。

合唱版では、作品の後半、ステージ上手よりトランペット奏者が突如登場、合唱内のソプラノ歌手とデュオを演奏する、神秘的な部分があります。これは、このオペラのテーマであるミヒャエルとエーファの結婚に関連していると同時に、上記《トランス》との関連性も興味深いところです。

ちなみに、《トランス》と《ヘリコプター弦楽四重奏曲》は、どちらも、彼のみた夢から特殊な演奏体系が着想されています。

ステージと別の場所で演奏される音楽が聴こえる先例としては、ベルリオーズやマーラーの交響曲でみられる、遠くからの音が舞台裏で演奏される、というものがありますが、シュトックハウゼンの場合は、「中継」というテクノロジーを使用して、本来は同じ場所に存在しないものを共存させ、一種のポリフォニーを形成する、という点に独自性と現代性があると思います。

この発想は、世界各地の音楽や国歌が一つの音楽を形成する《ヒュムネン》《テレムジーク》など、他の多くの作品にも見つけることができますし、異なる場所だけではなく、異なる時間層が現在と重なりあう（「時間の窓」と彼は表現しています）《ミクロフォニーII》のような例もあります。

[謹賀新年] 今年も誰かのアニヴァーサリー

2011-12-31T23:18:52Z

あけましておめでとうございます。

今年も宜しくお願いします。

今年も懲りずにアニヴァーサリーの作曲家を調べてましたが、やや地味なラインナップとなっています。

フリードリヒ２世生誕400年とは渋すぎですが、バッハの《音楽の捧げもの》のテーマを400回演奏する人などはきっと誰もいないでしょう。

一番メジャーなのはドビュッシーとケージかと思いますが、それぞれと同じ生年のディーリアス、ナンカロウも捨てがたいです。

スーザ、シュールホフあたりがあまりにも香ばしすぎまたり、メノッティとシュトックハウゼンが同じ没年というのにちょっとした驚きを感じたりと、いろいろ面白い発見もありますが、リストの下の方に行くと、直接面識のある人がちらほら見えてきて、この人とこの人は10歳差なんだ、などと余計な知識まで頭に入ってしまいます。

個人的に好きなのが、没年と生年が同じ人の比較、つまりこの人が死んだ歳に、この人が生まれたんだ、という比較です。

ちなみに私はストラヴィンスキーの生まれ変わりです（笑）

没後500年

ジョヴァンニ・ガブリエリ Giovanni Gablieli 1557-1612

ハンス・レオ・ハスラー Hans Leo Hassler 1562-1612（生誕450年）

生誕400年

フリードリヒ2世 Friedrich II. 1712-1786

生誕150年

クロード・ドビュッシー Claude Debussy 1862-1918

フレデリック・ディーリアス Frederick Delius 1862-1934

生誕100年

ジョン・ケージ John Cage 1912-1992（没後30年）

コンロン・ナンカロウ Conlon Nancarrow 1912-1997（没後15年）

山田一雄 1912-1991

没後100年

ジュール・マスネ Jules Émile Frédéric Massenet 1842-1912

生誕90年

ヤニス・クセナキス Iannis Xenakis 1922-2001

別宮貞雄 1922-

松下眞一 1922-1990

生誕80年

ナム・ジュン・パイク Nam June Paik 1932-2006

ジョン・ウィリアムズ John Williams 1932-

ニコロ・カスティリョーニ Niccolò Castiglioni 1932-1996　

エリアーヌ・ラディーグ Eliane Radigue1932-

ペア・ノアゴー Per Nørgård 1932-

ポーリン・オリヴェロス Pauline Oliveros1932-

ロディオン・シチェドリン Rondion Konstantinovich Schedrin 1932-　

山本直純 1932- 2002

丹波明 1932-

冨田勲 1932-

湯山昭 1932-

没後80年

ジョン・フィリップ・スーザ John Philip Sousa 1854-1932

生誕70年

イングラム・マーシャル Ingram Marshall 1942-　

メレディス・モンク Meredith Monk 1942-

三枝成彰 1942-

三宅榛名 1942-　

没後70年

エルヴィン・シュールホフ Erwin Schulhoff 1894-1942

生誕60年

ピーター・ガーランド Peter Garland 1952-　

オリヴァー・ナッセン Oliver Knussen 1952-　

ヴォルフガング・リーム Wolfgang Rihm 1952-

カイヤ・サーリアホ Kaija Saariaho 1952-

宮澤一人 1952-

山田泉 1952-1999

没後60年

中山晋平 1887-1952

弘田龍太郎 1892-1952（生誕120年）

生誕50年

鈴木治行 1962-

松下耕 1962-

和田薫 1962 -

小栗克裕 1962-

没後50年

ジャック・イベール Jacques Ibert 1890-1962

ハンス・アイスラー Hanns Eisler 1898-1962

アーヴィング・ファイン Irving Fine 1914-1962

フリッツ・クライスラー Fritz Kreisler 1875-1962

下総皖一 1898-1962

生誕40年

川島素晴 1972-

飛田泰三 1972-

没後40年

ハヴァーガル・ブライアン Havergal Brian 1876-1972

マンフレート・グルリット Manfred Gurlitt 1890-1972

ファーディ・グローフェ Ferde Grofé1892-1972 (生誕120年）

シュテファン・ヴォルペ Stefan Wolpe 1902-1972（生誕110年）

ガヴリイル・ポポフ Gavriil Nikolayevich Popov 1904-1972

生誕30年

山根明季子 1982-

小出稚子 1982-

没後30年

カール・オルフ Carl Orff 1895-1982

エドゥアルド・トゥビン Eduard Tubin 1905-1982　

没後20年

ウィリアム・シューマン William Schuman 1910-1992

アストル・ピアソラ Astor Piazzolla 1921-1992

没後10年

平井康三郎 1910- 2002

原博 1933 -2002

没後5年

ハラルド・ゲンツマー Harald Genzmer 1909-2007

ジャン・カルロ・メノッティ Gian Carlo Menotti 1911-2007

カールハインツ・シュトックハウゼン Karlheinz Stockhausen 1928-2007

松村禎三 1929-2007

江村哲二 1960-2007

年の瀬に、武満徹の《翼》を多重録音してみた

2011-12-30T23:50:23Z

特別な2011年を締めくくるにあたり、ふと昨晩思いついて、武満徹の《翼》を多重録音してみました。

自宅での録音ですので色々と細かいキズがありますが、ちょっとした清涼剤になれば嬉しいです。

ということで良いお年を。

2011年を振り返る

2011-12-30T05:45:21Z

やはり、あの震災のことが忘れられない2011年ですが、音楽的には非常に充実した一年となりました。今年は初演作品が多く、数えてみれば13作でした。

ほとんどすべてが委嘱作品ですが、お陰さまでレパートリーも増えてきました。素晴らしい作品を提供してくださった作曲家の皆さんに感謝です。

初演作品：

石渡玲玲：many winters

木下正道：石をつむII

木下正道：双子素数

三枝木宏行：Canticum No.5 夢野久作による情景

志田笙子：なぜ？

田口和行：Astra polorum

難波研：Silent moon

橋本晋哉：Phyton, le mervilleus serpent

細木原豪紀：Gouci Fosso-quivar: Volui obviam.

松平敬：Totus floreo

山根明季子：水玉コレクションNo.12

山本哲也：perhpas vairation?

山本哲也：Summa Monténuss

初演ではありませんが、今年はじめてチャレンジした作品の主なものは以下のとおりです。

山根明季子：水玉コレクションNo.02

ライマン：Entsorgt

ルシエ：子守唄

武満徹：昨日のしみ

ゾーン：コブラ

ライマンの《Entsorgt》の歌詞は核廃棄物の問題点を取り上げたもので、これを震災の１ヶ月前に歌っていたのは不思議な気持ちがします。

ちなみに今年の最多演奏作品は、松平頼暁《Rotation I》（3回）でした。

ショーロクラブの皆さんとの公演では、様々なジャンルの歌い手の皆さんと共演させていただいたり、ずっと昔から興味のあったジョン・ゾーンの《コブラ》の公演に参加し、即興演奏の面白さと難しさを体感したり、と色々なスタイルの音楽を演奏できたのも良い経験でした。

さりげなく録音音源でも重要なものが発売されました。

ひとつは私一人で40回声を重ね録りしたタリスの40声モテット、もうひとつはショーロクラブの《武満徹ソング・ブック》への参加です。

特に後者のレコーディングは、あの地震の３週間後、まだ気持ちも落ち着かない中での収録でしたが、今となっては格別の思いがあります。

少しでもたくさんの音楽に触れるために、演奏活動や大学の授業などの合間をぬって、出来る限り演奏会も聴きにいきました。

ヘビーな方には足元も及ばない回数しかコンサートを聞いていないのですが、その中から選んだ個人的なベスト3は以下のとおりです。

ケルン歌劇場：シュトックハウゼン《光の日曜日》全曲初演（5月1日ほか）
サントリー芸術財団サマー・フェスティバル「映像と音楽・室内楽」（8月27日）
音楽の複数次元　ジョン・ケージ『ヴァリエーションズVII』（1月29、30日）

やはり、午後から夜までかけて圧倒的なスケールで演奏された《光の日曜日》が強烈な印象を残しましたが（詳細なレポートはこちら）、個人的に運命を感じたのが、ここで強烈な演出を手がけたラ・フラ・デルス・バウスと来年一緒に仕事をやることになったことです。

しかも、演目は私が現代音楽方面を中心に演奏するきっかけとなったクセナキスの《オレステイア》、サントリーのサマーフェスという話題性も高い企画で光栄に思うと同時にいまから緊張しています。

早いですが、いま出せる情報を以下に貼り付けておきます。

サントリー芸術財団サマーフェスティバル2012 MUSIC TODAY21

サマーフェスティバル25周年記念特別公演

2012年8月31日（金）

クセナキス：オレステイア

指揮：山田和樹　Br：松平敬　演出：ラ・フラ・デルス・バウス

東京混声合唱団　東京シンフォニエッタ

数年前からはじめた「レコード芸術」への執筆活動も、ゆっくりとしたペースながら毎月続けています。今年も多くのCDを聴きましたが、その内40枚あまりについて小さな記事を書きました。冨田勲氏にインタビューするという光栄な仕事も思い出深いです。